Самое большое счастье для меня — наблюдать за природой и писать то, что я вижу. Только представьте, когда я отправляюсь за город и вижу кругом солнце, зелень, цветы я говорю себе: «На самом деле, ведь это все принадлежит мне!»

Творчество Анри Руссо стало своеобразным феноменом в искусстве начало 20 в. Оно резко контрастировало с модными импрессионистичными тенденциями того времени и шло в разрез с привычной академической традицией. Многие современный искусствоведы видят в творчестве Руссо предтечи сюрреализма и кубизма. Многие задаются логичным вопросом: как среда и обстоятельства, в которых жил Руссо, сделали его творчество настолько самобытным и было ли появление подобного живописного феномена таким уж неожиданным? На все эти вопросы можно ответить, разобравшись в самовосприятии художника, его виденье мира и постоянной внутренней борьбе, которую он вел вплоть до своей кончины.

Творческий путь «художника выходного дня»

Что вкладывается в понятие «художник выходного дня»? Этот термин был придуман одной из первых коллекционеров творчества Руссо писательница Рош Грей. Этой формулой она ярко и емко описывает сущность аматорской живописи Руссо. Первое время, совмещая работу на таможне и творчество, художник жил в ожидании выходного дня, когда он мог целиком и полностью отдаться своему увлечению, прогуливаясь по тенистым аллеям парков в поисках уединенного места.

Творчество Руссо относят к жанру примитивного искусства. Подобный термин, по-моему мнению, является очень абстрактным и не объективным. Гораздо лучше в контексте работ Руссо подходит термин «наивное искусство». Многие воспринимают его как чистое подражание стилю детского рисунка, но в случае Руссо он обретает более глубокое значение. Будучи ребенком всю свою жизнь, даже нося густую бороду и с проседь в волосах, он продолжал смотреть на мир глазами ребенка- первооткрывателя, который искренне восхищался всем, что видел вокруг и это наивное восхищение, пропущенное через призму собственного восприятия и фантазии он воплощал в своих произведениях.

Трепетное отношение к природе — одна из основных источников вдохновения для Руссо. В своей автобиографии он пишет, что испытывал трепет перед всем, созданным природой и больше всего он горел жаждой обладания ею. Это чувство он пытался воплотить в своих ранних пейзажах, букетах из удивительных цветов и его поздних работах, наполненных буйством зелени и глубокой детализацией. Дора Валье в своей работе указывает на тот факт, что чем больше Руссо отпускал свое внутреннее «Я», тем ярче и живописнее становилась его живопись. Тончайшее колористическое чутье превращало идеалистические пейзажи в фантастические джунгли, время в которых замерло, оставив время для созерцания этой живописной красоты, которую породило человеческое воображение.

Всю жизнь Руссо считал себя «лучшим художником-реалистом» и пытался подражать академической традиции. Не имея академических навыков живописи, он упорно занимался копированием в Лувре. Большое влияние на начальных этапах его творчества сыграли три художник Жером, Клемент и Бонн. Клемент был соседом Руссо и именно он помог художнику выхлопотать разрешение на копирование в стенах Лувра. Не раз Клемент давал Руссо полезные технические советы, в следствии чего, он фактически стал его учителем.

Другой художник — Леон Жером — стал еще одним вдохновителем для Руссо. Долгое время художник пытался подражать стилю Жерома. Особенно в творчестве мастера Руссо привлекали животные, которых он активно перенимал для создания собственных образов. Особенно ярко эта связь просматривается на примере его работ «Львица, нападающая на ягуара», «Святой Иероним, спящий на льве», которые бессознательно заставляют нас вспоминать картины Руссо.

Истоки портретной живописи Руссо можно усмотреть в творчестве третьего художника, фигурирующего в его автобиографии — Бонна. Не найдя образцов портрета у Жерома, он обратился к творчеству этого художника. Руссо подчерпнул у него прием, который позже активно использовал при работе над своими портретами- эффектное использование черного и белого. Умело используя контрастность этих цветов он придавал портретам ареол драматичности и выделял таким образом главные элементы картины. Гоген искренне восхищался способностью Руссо использовать черный цвет. Наиболее яркий пример он видел в картине Мальчик на скалах, где черный цвет символизирует смерть ребенка.

Условно творческое наследие Руссо можно поделить на несколько групп:

• Пейзажи-идиллии (особенно характерные для раннего периода творчества «Таможня», «Вид острова Сен-Луи от набережной Генриха IV»)

• Патриотическая тематика (Представители иностранных держав, прибывшие отдать дань уважения Республике в знак мира)

• Портреты- пейзажи (Портрет женщины, Я сам, автопортрет-пейзаж)

• Цветочные композиции (Цветы в вазе, цветы поэта)

• Мотивы тропических джунглей (Сюрприз! , Заклинательница змей, Сон)

• Экспериментальные полотна (Война, Спящая цыганка)

Сам художник имел собственную градацию своих полотен. В перечне произведений на продажу Воллару мы можем видеть группу под названием «творения», цена на которые была в несколько раз выше, чем на остальные. Эти творения мастер возводил до уровня культовых и очень гордился ими. К этой группе можно отнести полотно «Спящая цыганка».

На протяжении своего творческого пути Руссо все время боролся за право называться художником. Первое «боевое крещение» он прошел в Салоне отверженных 1885 г, где он выставил свое полотно «Карнавальный вечер». С момента «первого показа» сам художник начинает позиционировать себя как профессионал. Однако следует отметить, что публика абсолютно не разделяла мнения Руссо на счет его произведений. Его считали не более чем чудаковатым простаком, сумасшедшим, демонстрирующего публике сюжеты своего больного воображения. Своеобразное признание художник имел еще при жизни в узких богемных кругах, к которым относился Г. Аполлинер, П. Пикассо, А. Жарри и т.д. После смерти художника о нем стали слагать легенды. За ним закрепился образ «доброго Таможенника», «ангела ночного квартала», который как старый кукольник создавал на своих полотнах удивительные образы, напоминающие антураж кукольного театра.

В процессе написания полотна художник сталкивался с рядом проблем. Одной из них была техническая сторона. Руссо постоянно страдал от нехватки навыка академического рисунка: проблем с выстраиванием линейной перспективы, пропорциональностью изображения. Для того, чтобы преодолеть эту проблему нередко мастер использовал специальное устройство — пантограф, которое помогало разрешить некоторые технические затруднения. Однако комплекс несоответствия между воплощенным произведением и задумкой остался с ним до конца. В своих работах художник прибегнул к особому виду перспективы — перспективы воздуха. Она достигалась путем создания эффекта глубины цветом. Этот прием часто использовал в своем творчестве Поль Сезанн.

Первое впечатления от картин Руссо очень часто ошибочно. Кажется, что художник крайне быстро, без особого напряжения создает свои композиции. Это мнение совершенно ложно. Каждый мазок был продуман до мелочей. Особенно ярко это особенность проявляется в цветочных композициях мастера. Каждый цветок был детально прописан и «вставлен» в горшок, создавая эффект коллажирования, которые потом активно развивали дадаисты и кубисты.

Портрет как отражение себя

Важной составляющей творчества Руссо является портретная живопись. Этот жанр играл для художника особую роль. Не смотря на то, что портрет наиболее ярко проявлял неумение Руссо пользоваться академическими правилами живописи, он открывал для мастера возможность ярко проявить душу модели. Своим незаурядным взглядом Руссо улавливал то тончайшее, что есть в человеческой душе и указывал на него, погружая своего персонажа в мир символов. Они помогают зрителю полнее ознакомиться с внутренним миром персонажа на картине. Создается впечатление, что каждый портрет художника имеет сходство с автором. Учитывая особенности характера Руссо, можно предположить, что так художник хотел подчеркнуть связь с людьми, которых он писал и показать свой след в жизни изображаемых им моделей.

У художника был очень незаурядный метод работы с моделью. Перед началом написания мастер снимал с лица точные измерения пропорций, которые в уменьшенном масштабе пытался перенести на холст. Еще одной интересной особенностью была его подборка цвета. Руссо подносил палитру к лицу модели, чтобы удостовериться в правильности выбранного тона. Такой метод давал очень необычные результаты, в частности к тому что размер головы в несколько раз превышал допустимую норму по отношению к пропорциям тела. По этому, полученные работы часто повергал в шок заказчика. Например друг Руссо Альфред Жарри после увиденного расстрелял свой портрет из револьвера и сохранил только голову.

Особый интерес представляет нашумевший автопортрет художника «Я сам. Портрет-пейзаж». Это полотно было выставлено Руссо в салоне Независимых в 1907 г. Оно картина вызвало настоящую бурю в салоне. Эту картину можно считать одной из ключевых в жизни художника. Ее так же можно считать автобиографической, т.к. она повествует самых важных для Руссо событиях и людях. Первое, что бросается в глаза, влияние Всемирной выставки 1899 г. Руссо был настолько поражен уведенными там техническими новшествами, что сделал их неотъемлемым элементом своего творчества. На картине «Автопортрет-пейзаж» такими элементами выступает воздушный шар и виднеющаяся из–за домов Эйфелева башня. В своем творчестве художник часто обращается к патриотическим мотивам. Будучи безумно влюбленным во Францию и Париж, почти всю свою жизнь изображению этого города и его окрестностей. Часто в его пейзажах мы можем увидеть флаги или другие неизменные символы Парижа. Сама фигура художника напоминает иконографическое изображение и является центром композиции. Облаченный в костюм типичного представителя буржуазии того времени художник подчёркивать свой статус и в тоже время добавляет его образу трагичности. На палитре художника написаны имена двух жен художника Клеманс и Жозефина. Интересным фактом является то, что художник в течении все своей жизни корректировал свой портрет, добавляя в него разные автобиографические элементы. Так, например, на пиджаке появился знак «пальма академии». На этой картине Руссо словно возвышается над всем миром, позиционирую себя как великого художника. Этой точки зрения придерживались далеко не все. Один из критиков в насмешку сказал, что мастеру нужно запатентовать этот особый «жанр». С другой стороны Гоген назвал это произведение искусством будущего, приближением к созданию «чистого искусства».

Как бы там не было, но автопортрет-пейзаж стал одной из наиболее знаковых и узнаваемых работ автора. Эта картина является глубоко интимной и повествует о желаниях, увлечениях и страхах его создателя.

В своем творчестве художник неоднократно обращался к женскому образу. Интересным является тот факт, почти всегда дамы на портретах Руссо изображаются в черных платьях. Это было скорее всего связано с психологической травмой художника после смерти его первой жены Клеманс, любовь к которой не иссякла в нем до конца его жизни. Одним из наиболее известных женских портретов мастера является «Портрет женщины» 1895 г. Модель осталась не известна, однако существует версия, что на портрете изображена одна из любимых женщин Руссо — Ядвига. Из автобиографии известно, что художник очень любил это имя и часто использовал в своем творчестве как символ. Ядвига изображена в черном платье, что многие искусствоведы трактуют как факт ее смерти. Считается, что Ядвига была иностранкой и переписывалась с Руссо долгое время, однако ее внезапная смерть оборвала их связь. Ядвига изображена на балконе, в окружении цветов и яркой занавески, но не смотря на кажущуюся безмятежность эта картина наполнена глубокой скорбью. Огромное черное пятно платья, ярко контрастирующее с неестественной бледностью лица, наводит на мысли о болезни. Лицо женщины напряжено, губы сомкнуты и как будто застыли в вымученном подобии улыбки. Ядвига опирается на сорванную ветку дерева. Создается ощущение, что они как будто прорастают в пол и, словно являясь ее продолжением, не дают упасть. Сорванный цветок в ее руке так же можно рассматривать как символ смерти и мимолетности красоты, обреченной на увядание, как и эта женщина. Композицию дополняет одинокая птица, так же выдержанная в темных тонах как предвестник не добрых вестей.

Отдельного рассмотрения требуют детские портреты Руссо. Следует отметить, что этим непоседливым моделям он отводил особое место в своем творчестве и все детские портреты художника наполнены непередаваемой скорбью и болью. Это связано с личными переживаниями Руссо. Его четверо детей умерли от туберкулеза, а его единственная выжившая дочь не поддерживала с ним отношений и после смерти отца пыталась стереть все упоминания о его богемной жизни.

В детях художник видел духовное олицетворения себя. При помощи живописных приемов Руссо пытался показать трудности с которыми сталкивается ребенок, его неприятие окружающего мира. На всех его портретах дети выглядят, словно маленькие взрослые, с не по годам серьёзными лицами и грустными глазами. Подтверждение этому тезису можно видеть в картине «Портрет ребенка» (ок. 1905). Перед нами портрет девочки, сидящей на лугу с ее любимой куклой и сорванным цветком. На первый взгляд мотив достаточно идиллический, но начав разбирать детали это впечатление рассеивается. Девочка напоминает куклу, подобно той, которую она держит в своей руке. Не смотря на легкий румянец на щеках, покрасневшие ущи, в ней нет жизни. Художник сам подталкивает нас к мысли, что часто в семьях дети и выполняют функцию тех кукол и марионеток, которыми управляют их родители, не особенно интересуясь жизнью и интересами своего чада. Красное короткое платье занимает одно из ключевых мест на картине, так как они помогают определить возраст модели.

Магия застывшего мгновения

Не смотря на такую большую роль портретной живописи в творчестве Руссо, большинство искусствоведов склонны относить его к художникам-пейзажистам. Это утверждение имеет под собой документальную подоплёку. На сегодняшний день сохранился перечень картин, которые были проданы художником скупщику живописи Амбуазу Воллару, где львиная доля отводится как раз пейзажной живописи. Очень важным является тот факт, что в указанном документе Руссо искусственно преувеличивал цены своих живописных произведений, в чем можно видеть безмерное желание художника стать богатым и знаменитым Желание, переросшей в паранойю, преследующую его всю жизнь.

В чем же заключается такой неподдельный интерес, который вызывают у нас пейзажи Руссо? Наверное в том, что все они вызывают чувства глубоко интимные. Для каждого человека открывается свой мир тенистых аллей, парков, опустевших улиц, по которым вы бродили, держа за руку любимого человека. Это неуловимое чувство заставляет не обращать внимания на технические погрешности и полностью погрузится в созерцание. Пейзажная живопись Руссо идет в разрез с традиционными представлениями о примитивизме. Руссо не просто следует потоку образов своего сознания, а пытается найти их отображение в натуре. Искусствоведы считают, что в пейзажах проявляется сильная связь Руссо с традициями академической живописи. Художник вел длительную подготовительную работу, прежде чем преступить к окончательному варианту картины. Не редко он писал по восемнадцать эскизов, которые потом длительное время прорабатывал в студии. Такой метод разбивает всю иллюзорность первого впечатления, будто художник писал их в порыве первого впечатления. Прорабатывая каждую деталь своего полотна, Руссо напоминал Жоржа Сера, которого так же модно считать одним из вдохновителей его творчества. Еще одним таким художником для Руссо был Сезанн. Не смотря на то, что художник всегда отрицал влияние его творчества, однако оно является настолько очевидным, что этот тезис не вызывает сомнения. Их непосредственной общей чертой является попытка создать образ трехмерного пространства не с помощью перспективы, а с помощью глубины цвета. Эта особенность придает пейзажам Руссо особую глубину.

Истоки его любви к подобным идиллическим сюжетам нужно искать в пейзажах, окружающих его пограничную заставу и в местах, где он провел свое детство: Лавале и Анже. Не смотря на то, что Руссо обожал Париж, он видел его абсолютно по-иному. Ему был не понятно стремление импрессионистом искать сюжеты в новом, бурлящем Париже. Он отдавал предпочтение меланхоличным паркам в Булонском лесу, где можно было проводить часы на пролет. После всемирной выставки в Париже 1899 г., художника поразили технические новшества нового века. Находясь под этим сильным впечатлением он начал вводить в свою идиллию новые образы аэропланов, железных дорог, заводов, которые добавляют нового современного звучания его работам.

Наиболее узнаваемым Руссам делают его пейзажи с изображением джунглей. Именно они дали возможность многим искусствоведам, критикам и художникам относить его творческое наследие к истокам сюрреализма. Существует несколько противоположных мнений о том, мог ли художник в действительности видеть их или нет. Руссо очень любил создавать вокруг себя ареол таинственности и загадки. В связи с этим очень трудно различить правду и вымысел в его биографии. По одной из версий, во время своей военной службы в Мексике Руссо мог видеть подобные растения. С другой стороны, Руссо сам утверждает, что никогда не покидал пределы Франции и черпал свое вдохновение в парижском ботаническом саду. Определить, какая из этих историй правдива нам вряд ли удастся. Но зато остались его картины, которые не перестают удивлять нас своим богатством зеленого, интересными сюжетами и затейливыми живописными формами. Наибольший интерес на мой взгляд представляют две картины этого периода: «Сон» и «Заклинательница змей».

Другая картина имеет схожий мотив. Однако если на предыдущем полотне центральную роль занимает девушка на софе, то здесь центральное место отводится именно заклинательнице. Художник использует здесь свой любимый прием: игру с черным цветом с целью наполнить картину драматизмом и мистицизмом. Черный силуэт женщины напоминает каменную глыбу, увитую змеей. Единственное, что оживляет ее — глаза. Они сверкают на черном лице светом безумства и заставляют трепетать душу. Художник уносит наше воображение в ночные джунгли, где туземка совершает некий магический обряд. Руссо создает иллюзию, заставляющую нас напрягать зрение и рассматривать мельчайшие подробности этой картины. Мы отстраняемся от нее в ужасе, так как вместо двух змей и число постепенно растет и вот уже вся картина наполнена ими. Они ползут на звук флейты из своих темных углов как самые темные проявления человеческой души.

Знаковые полотна

Одним из особых, по моему мнению, аспектов творчества Руссо является наличие так называемых знаковых полотен, полотен-экспериментов, которые по задумке автора, должны были принести ему славу и успех. Но на тот момент общество было не готово принять ту реальность, которую предлагал им мастер — и публика раз за разом отталкивала его произведения, как человека, больного неизлечимой болезни. К серии знаковых произведений я бы хотела отнести следующие: «Автопортрет-пейзаж», «Сон», «Спящая цыганка», «Война». Особое внимание я бы хотела уделить двум последним.

Итак, полотно «Спящая цыганка» было написано в 1897 г. и выставлено в Салоне Независимых. Свое произведение он сопроводил легендой, написанной на раме: «Хищник, обуреваемый жаждой крови, застывает на месте, не решаясь набросится на крепко спящую, обессилившую жертву». Позже Руссо задумал принести эту картину в дар своему городу и написал мэру Парижа письмо, где детально описал свое полотно и надеялся, что мэр приобретет его, однако этого не случилось. Спящую цыганку постигла не счастливая судьба. Находясь за гранью бедности Руссо продавал свои произведения почти за бесценок и так же произошло и с этой картиной. На долгое время она была утрачена и только спустя много найдена в амбаре.

Когда смотришь на это полотно, появляется ощущение призрачного сияния, которое исходит от луны и пронизывает всю картину, придавая ей загадочности и неопределенного чувства таинственности. Образ женщины-заклинательницы для Руссо играл очень важную символическую роль, особенно в поздний период его творчества. В таких картинах как «Заклинательница змей», «Сон» женщина выступает в роли властительницы. Она управляет животными и под звуки музыки они смиренно ложатся к ее ногам. В картине «Спящая цыганка» художник помещает женщину в противоположные обстоятельства, когда зверь властвует над ней и именно он решает ее судьбу.

Для Руссо музыка имела особое значение. Находясь на грани бедности он зарабатывал себе на жизнь игрой на скрипке. Именно этим можно объяснить такой важной роли музыкальных инструментов в его картинах. Образ женщины, по моему мнению, связан с любовью художника к его первой жене Клеманс. Мастер в молодости написал в честь нее вальс и таким образом обессмертил ее имя. Неожиданная смерть любимой жены стала для Руссо настоящим ударом. Картина «Спящая цыганка» показывает всю беспомощность человека перед судьбой и смертью. Она заставляет задуматься, в каком обличье она может прийти к каждому из нас в тот момент, когда мы будем ждать ее меньше всего. Но в то же время художник дарит нам надежду на благосклонность судьбы и спасение.

Еще одним знаковым полотном в жизни Руссо стала «Война». Оно задумывалось мастером как венец его творчества и было написано в 1894 году для Салона Независимых. «Война» стала отображением впечатлений художника о событиях Франко-Прусской войны 1870-1871 г. и о жестоко подавленой Парижской коммуны, когда улицы Парижа становились красными от крови. Весь ужас пережитого он постарался передать в этой картине. Юная девушка с саблей в руке проносится на вороном коне по полю, сея смерть и разрушение. В правой руке девушка держит факел и кажется, словно она поджигает облака, превращая их в пурпурные клочки. Поле укрыто искалеченными трупами, которые в большинстве своем абстрактны. Единственное лицо, которое мы можем видеть — лицо самого художника, застывшее с отрешенным выражением на переднем плане. Черное воронье слетелось на этот кровавый пир, чтобы поживиться. Они усиливают чувство ужаса и отвращение, которое возникает, глядя на эту картину. Выдержанная цветовая гамма использована художником с целью усилить впечатление от центральной фигуры.

Этим полотном мастер хотел показать, что представляет из себя война, ее ужасы и уродство. Своей картиной художник рассказывает нам историю о тысячах бессмысленно погибших людей и о том как во время военных действий их тела превращаются в месиво, лишенное каких-либо признаков человеческого. Символ девушки- воплощение звериной человеческой кровожадной сути, которая живет в каждом из нас и ждет момента, чтобы вырваться наружу. Картина пугает нас, как и пугает сама война, что подтверждает силу кисти Руссо.

Заключение

В конце своей жизни Руссо был окончательно истерзан собственными сомнениями и комплексами. Последние дни жизни он провел в больнице для душевнобольных и после смерти был записан с диагнозом алкоголизма и душевной болезни. Значит ли это, что художник сдался? В какой-то степени да. Он не мог смириться с тем, что его реальность не имеет ничего общего с повседневностью. Мастер все больше замыкался в себе и погружался с головой в мир собственного воображения, что подтверждает поздний период его творчества (картины с джунглями). Узкий круг почитателей, творческие артистические вечера, которые он устраивал в своем доме перестали радовать его и превратились в нечто обыденное. Чем неистовее художник работал, тем больше чувствовал свою беспомощность перед лицом общества того времени.

Интересным мне представляется тот факт, что для самоидентификации себя как художника, Руссо использовал термин «художник-реалист». Ведь его полотна так далеки от нее и являются скорее антиподом реальности. Суть данного противоречия лежит глубоко в сознании художника. Оно основано на двух комплексах, преследовавших художника всю жизнь: комплекс нехватки академических навыков, из чего задумка не всегда отвечала содержанию, и бесконечная бедность и не известность. Будучи по-детски мнительным, Руссо собирал все заметки о себе в специальный блокнот в надежде когда-нибудь приумножить язвительные критические замечания благосклонными отзывами о его творчестве.

В автобиографии Руссо и в его переписке можно проследить безмерное желание художника стать известным. Свое становление как профессионала он связывал с выставкой в салоне Независимых 1886 г., где его постиг первый провал. Его картина «Карнавальный вечер» была высмеяна за неловкое исполнение. Сравнивая его с интеллектуальной живописью Сера, в нем видели лишь простака-любителя, не способного на изящный этюд.

Жизнь Руссо напоминала трагикомедию, в которой он, словно клоун, не получая за это ничего. Одним из самых светлых воспоминаний был пир в его честь, устроенный его друзьями в честь покупки Пикассо картины Руссо «Портрет женщины». Весь вечер художника чествовали, как истинного гения своей эпохи и первопроходца в рядах авангарда. В этот день художник смог беззаботно по-детски радоваться жизни.

Почему же сегодня мы считаем примитивное искусство достойное внимания и не отправляем его на задворки живописного мира? Что такого вдохновляющего находили в творчестве Руссо художники — сюрреалисты, кубисты и прочие деятели авангарда? Ответ очень прост — искренность и силу убеждения. Когда вы смотрите на картину подобного толка, вы прибываете в состоянии легкого недоумения. Ваш взгляд пытается найти в ней хотя бы намек на привычную идеалистичность, пропорциональность, ведь нас всегда учили, что все должно быть по правилам. А в этой живописи правил нет. Точнее они есть, но они настолько трансформированы, что простому обывателю кажется, что все это больше напоминает театр абсурда, чем живопись. Однако всегда в подобных ситуациях остается волшебное «НО». Магия в том, что вы не в силах отойти от этой картины. Она заставляет вас стоять на месте и разглядывать ее. Состояние недоумения сменяется любопытством и вы начинаете изучать полотно абсолютно по другому: сочетая в голове все возможные варианты и детали вы понимаете, что все, что вы видите перед собой реально, и вас больше не удивляют гигантские деревья, фактическое отсутствие перспективы, незаурядная композиция. Теперь вы видите целостную историю, которая затягивает вас настолько, что вы не в силах отделаться от нее. А дальше начинается самое интересное. В игру вступает ваше собственное воображение. Оно порождает целый спектр вопросов и идей, чем бы могла закончиться рассказанная перед вами история, кто ее герои и вы даже начинаете им сопереживать.

Вот к чему стремились представители наивного жанра, и Руссо в том числе — привести нас в восторг от реальности! Показать, что даже обыденный пейзаж наше живое воображение может превратить в сказочный лес и что эту способность человек с возрастом не теряет эту способность и в глубине души остается ребенком.

Ваша, Наташа Ч.